> 伊內克·汉斯（ineke hans）的plektra凳
别担心，这并非一堂历史，虽然谈的确实是历史，但更似一个侦探录，让大家发现到不少现今设计大师们都曾经借助这个位于伦敦的阿兰姆艺廊（aramgallery）发家致富。这存粹巧合？并不！因为在过去的 15 年，这家艺廊不仅成为了他们的驿站，也无形中为他们的未来事业版图注入了催化剂：从贾斯珀·莫里森（jasper morrison）到托马斯·赫斯维克（thomas heatherwick），还有伊内克·汉斯（ineke hans）和贝唐·劳拉·伍德（bethan laura wood）等，属于 ta 们的近代史，正是记载于此。
> 马克斯·兰姆（max lamb）的alibar椅
在阿兰姆艺廊还未成立之前，其创办人泽埃夫·阿兰姆（zeev aram）就拥有展出新设计的想法。他记得早在 1964 年成立同名家具店时，就发觉英国没有支持年轻设计师的渠道，所以他决定举办一场毕业作品展。他游走于大约四五十家英国创意学院的展会，然后从中挑选了七八十件展品。不管设计来自任何创意领域，最重要的是能展示出毕业生的想法和创新的方案。而在 1987 年的第一场展览中，贾斯珀·莫里森的“思考人类的椅子”（thinking man's chair）就是佳例。
> 贾斯珀·莫里森的“思考人类的椅子”（thinking man's chair）
>“思考人类的椅子”
当然，这张椅子之所以闻名，还是因为其最终被意大利设计大腕朱利奥·卡贝里尼（giulio cappellini）相中而推入生产线。但如今以极简主义著称的这位大师的处女作，仍存有 1980 年代的实验性风格，不过却将浮夸表饰剥削，让金属结构有了朴实的视觉性。相同地，曾经出现在这些早期展览中的大师级人物也包括了康斯坦丁·格里克（konstantin grcic）和托马斯·赫斯维克。他们的作品虽然如今已无人不晓，但当年的毕业作也可算得上是“失败”的商业作品。
> 康斯坦丁的 chair one
康斯坦丁·格里克的 briol 椅子可以说是生不逢时，因为相同的款式到了今日就成为了包豪斯的回流之作。而托马斯·赫斯维克呈现的宛如《权力的游戏》中的铁王座的金属王座（metal thrones）椅子好像一件艺术品，仅可供人瞻仰。所幸阿兰姆艺廊在 2011 年进行“那时-现在”（then-now）回顾展时，这些设计师们早已崭露头角——康斯坦丁的 chair one 已经成为经典产品，而托马斯也正好完成了上海世博英国馆的设计而“为国争光”，并即将踏入为伦敦奥运会的设计中。
对于展品筛选方式，泽埃夫解释说，“我的店铺已有 50 年历史，但我并不是个零售商，我更像一名设计师，而我选择了我认为设计得很好、有趣的事物，绝不是因为它们的商业性质。”因此在 2008 年 5 月开展的“原型与实验系列”系列亦首次让业界见识到，正在进行中或未完成的设计品，这个展览甚至成为了时代印记，彰显出新一代设计师持续创新的魄力。
> 塞巴斯蒂安·伯格（sebastianbergne）的plane架子
正值经济危机的时间点，泽埃夫认为原型与实验是发展任何新设计的过程中极为关键的元素。原型与实验（prototypes & experiments i）展览中虽然有很多如今已经耳熟能详的名字：塞巴斯蒂安·伯格（sebastian bergne）、于尔根·贝（jurgen bey）、马蒂诺·甘珀尔（martino gamper）等，但在当时他们的设计品却未必让人熟知：像塞巴斯蒂安的 array 灯具就是例子。但在该展结束不出三个月的时间，他的个展 cru 却获得满堂彩——整体概念竟然是来自红酒，确切的说是来自软木瓶塞。
“我已经收集瓶塞有一段时间了。”刚从意大利移居回到英国时的他当时说，“而且我还是个业余的葡萄酒爱好者。”所以这一场个展不仅让人看见他对平凡之物的再造可以如此有趣，也首次让经验老道的他（1990 年毕业于皇家艺术学院，也在当年参与了阿兰姆的毕业展）成为了业界的焦点。众多展品中，尤其是将瓶塞再循环作为酒杯的支撑体的设计最为经典。回忆起当年，他说：“能够自由地发挥在我所爱的主题上，真的比遵循客户的要求来得美妙。这一场展览真的是一次新的开始。”当然对于葡萄酒的热爱也在他多年后设计出的 egg 醒酒器上彰显出来，瓶塞再次被利用，但依然不改的就是他那股风趣与幽默感。
> 伊內克·汉斯（ineke hans）的plektra凳
“原型与实验”这一项展览的成功，不仅促成了塞巴斯蒂安·伯格个展，如今也成了艺廊的双年度展览。这些展览中所提拔的大师中，马克斯·兰姆（maxlamb）和彼得·玛丽格尔德（peter marigold）就参与过旗下的多次联展。以手工艺创作为主的两位设计师，通过这些展览证明，他们尽管不是主流的商业设计师，却依然能够刻画出属于自己的利基市场。譬如说，马克斯在 2007 年的展览中，初次让人们看见他的成名作 bronze poly 凳子的雏形。在设计网络还不普遍的当时，可以说这是为其在原料上不断创新的理念曝光的最佳途径。相对地，彼得在此艺廊推出 palindrome 橱柜后，获选为 design miami 的“未来设计师”之一，并在当年的巴塞尔艺术博览会（art basel）策划大型装置展。艺廊确实功不可没。
> 塞巴斯蒂安·伯格（sebastian bergne）的corked decanter木塞醒酒器
或许，阿兰姆艺廊最让业界引以为傲的是，对女性设计师的表扬与推崇。像荷兰设计师伊內克·汉斯在即将成为国际设计巨星之前，特别是在 2007 年获得cappellini 品牌的青睐并推出 fracture 系列家具之前，她也只是个默默耕耘，与英国家具品牌 habitat 合作的皇家艺术学院毕业生。但在 fracture 推出后，艺廊便乘胜追击，适逢她出道刚过 10年的2010 年为其策划了 mind-sets 个展，将其过去的设计做了一个完美的介绍。而后，伊內克的商业客户就源源不绝：从 arco、lensvelt、royal vkb、offecct、ahrend and van esch 还有近期的 iittala 等。
两年后，泽埃夫的焦点则着重在贝唐。其设计正如其人，是花枝招展，亦五光十色。她虽然年轻（生于1983年），但在首场个展“z字形”（zigzag :crisscross）中，就以玻璃和照明设计而一鸣惊人。当时，获得 w 酒店推选为年度设计师而旅居墨西哥，让她像进入了巧克力工厂一样灵感大发。
“我在墨西哥的时候，爱上了这座城市绚丽的色彩。我从小在伦敦长大，而墨西哥遍布城市角落的多彩景象与伦敦全然不同，对我来说很新鲜。”她回忆说。因此展览中的吊灯、烛台和灯具设计，都参考了在城市街道中售卖的墨西哥花环。当灯亮起时，就看似如一朵朵绽放的花，色彩往外晕开，一片生机。贝唐虽然并没有再回到艺廊策展，但已成为了各大品牌如爱马仕、kvadrat、nilufar gallery的新宠，也难怪她在 2009 年毕业后不出 10年的时间内就获得了伦敦设计节的“新晋设计师”奖。
> 伊內克·汉斯（ineke hans）的fracture furniture系列
托勒密·曼（ptolemy mann）则是从 b 咖升级到 a 咖的佳例。2012 年的个展“布料、颜色和空间的建筑”（the architecture of cloth, colour and space）并非她首次站上阿兰姆的舞台。对于这位以色彩为设计媒介的艺术家而言，她早在两年前就在同个地点策划了与色彩有关的“重要的色彩”（significantcolour）展。当时她贡献出的展品，只是她作品中的冰山一角。在个展中大展拳脚的她，随后就成功获得大量的委托案：从 lubna chowdhary 的陶瓷、christopher farr 的地毯、eloise gray的服饰、还有与 kristian stringer 和marina dragomirova 合作打造的家具，甚至还获得建筑师斯坦顿·威廉姆斯（stanton williams）的邀约，为其建筑立面裹上色彩。
让人印象深刻的是，当时的展览将重点聚焦于她的染织过程。要知道，虽然她热爱色彩，但她却自称因为绘画不好，所以才会走上染织设计这条路，并随后发明了独特的 ikat 技术，将大胆的颜色、几何的图案，运用于现代时尚的家居及面料中。至今，她的染织“画作”仍然是让人叹为观止的。因此自 1997年从中央圣马丁学院及皇家艺术学院毕业并成立工作室至今，她不仅是色彩与染织的佼佼者，也在跨领域的应用中让色彩有了全新的功能性。
> 贝唐·劳拉·伍德（bethan laura wood）的立灯
成立15年后，阿兰姆艺廊的新展“被挑选的设计师”又再次提到这些设计大师们的历史。但有别于回顾当年的毕业作，泽埃夫则让设计师们呈现近作，并将伯乐的任务“暂时”交到他们的手中。因此展览中就有 15 位大师与 15 位新星的正面交锋，产生惺惺相惜的火花。谁赢？谁败？已不重要。只要有后浪推前浪，那如泽埃夫这样的观海人，将永远存在。“好设计是以最美丽的方式来实现其目的的。这并非傲慢之言，因为只要有一双聪慧的眼睛和开放的头脑的人都可以发现它。我学会了相信我的直觉。如果有什么让我屏住呼吸，那么我就知道眼前的正是好设计。”泽埃夫说。
> 贝唐·劳拉·伍德（bethan laura wood）的bloom灯
